La Inolvidable Sonora Matancera

En plena actividad en Las Vegas, Nevada (Estados Unidos), la Sonora Matancera está celebrando este año su 95.º aniversario de existencia y sigue tan campante. Cuando se pensaba que iba a desaparecer, a raíz del fallecimiento de su director Rogelio Martínez en el año 2001, sus herederos resolvieron continuar con ella, y escogieron la ciudad que nunca duerme como su sede permanente.

Según Guinness, es la orquesta más antigua del planeta, y la que congregó el mayor número de asistentes a un concierto, que se celebró a cielo abierto, en Santa Cruz de Tenerife en 1987. La Sonora Matancera constituye un caso único de vigencia musical en el mundo, según el criterio de historiadores como Héctor Ramírez Bedoya, José Portaccio Fontalvo y el novelista Umberto Valverde. Ellos recogen en sus obras la trayectoria de este elenco de solo nueve integrantes, que se convirtió en un ícono de la cultura popular sin fecha de vencimiento a la vista.
Según ellos, se fundó el 12 de enero de 1924, en Matanzas (Cuba), por iniciativa de Valentín Cané, que tocaba el tres, en la propia sala de su casa, con el nombre de Tuna Liberal.

En 1927, la agrupación viajó a La Habana, con dos cantantes más, Carlos Díaz Caíto y Rogelio Martínez, pescador y cocinero de profesión, respectivamente. Allí, debutaron en el teatro Alhambra y grabaron sus primeros acetatos en 78 r. p. m. con la RCA Víctor. En 1929 ingresó José Rosario Chávez ‘Manteca’ por Manuel Sánchez, ‘Jimagua’ (timbalitos). En 1935, Calixto Leicea reemplazó a Ismael Goberna. En 1937, Miguel Ángel Furias, ‘Yiyo’, se hizo cargo de la tumbadora.

Bienvenido Granda se vinculó a sus filas en 1942, para convertirse en el crooner de planta de la orquesta y en el cantante que más grabó con ella, y, en 1944, se completó esta nómina fantástica con la llegada de Lino Frías, en el piano, y Pedro Knight, en la segunda trompeta.

Sus sucesos más memorables en esa época fueron: el providencial encuentro con Daniel Santos, que les trajo la prosperidad económica en 1948, que les significó ganar en una semana lo que antes recibían en seis meses.

“La Sonora era un conjunto musical con un estilo distinto, pero le faltaba un cantante que encajara con su música”, confesó el ‘Inquieto Anacobero’, en una entrevista, publicada en el libro La memoria de la Sonora Matancera (1997).

Y, por último, llegó la inigualable Celia Cruz en 1950, la guarachera de Cuba, la de mostrar tanto en la isla como en el exterior, responsable de sus más altos índices de ventas con títulos como Burundanga, Juancito Trucupey, El yerbero moderno y el bolero Tu voz, entre tantos otros.

Pero mientras sus integrantes poco fueron objeto de cambios, al menos durante su estadía en la isla, los vocalistas que pasaron por allí sí que constituyeron una multitud, desde los más encopetados hasta los más humildes, llevando de por vida ese gran honor. “Cantar con la Sonora Matancera o siquiera grabar un tema con ella era el pasaporte que le daba vía libre al mundo de la farándula”, acota Portaccio en su libro Ochenta años de la Sonora Matancera (2004).

Desde los inmortales Daniel Santos, Bienvenido Granda, Celia Cruz y Nelson Pinedo, entre otros, que grabaron decenas de discos, hasta los que tan solo pudieron grabar uno o dos, como fueron ‘Chito’ Galindo y nuestra compatriota Gladys Julio, estuvieron igualmente orgullosos por el resto de sus vidas. Los especialistas coinciden en una cifra cercana a 62 los cantantes que pasaron por la Sonora.

Héctor Ramírez Bedoya, uno de los más entendidos en la materia, en su Historia de la Sonora Matancera y sus estrellas (1996), disiente en ese punto, pues distingue entre los que grabaron y los que simplemente fueron acompañados en presentaciones: 47 que pasaron por el estudio de grabación, de los cuales 11 fueron mujeres, 26 cubanos, 11 puertorriqueños, 2 colombianos, 2 argentinos, 2 mexicanos, una haitiana, un venezolano, un uruguayo y un nicaragüense. Para un total de 1.063 grabaciones, 380 de ellas, boleros.

Son varios los argumentos que se esgrimen para explicar su prolongada vigencia en el gusto popular. Coinciden en la figura de su director, Rogelio Martínez, motor de esta organización, quien con pulso férreo la llevó al sitio de honor que ocupa. Y a un sexto sentido que poseía, de saberles escoger los temas a los cantantes, según la tesitura de sus voces.

Al ser indagado Nelson Pinedo sobre el tema, explicó: “Porque manejar a cubanos, que de por sí son irreverentes y te tutean desde el saludo, es muy complicado”.

También contribuyeron un mago de la consola, Medardo Montero, que inventó técnicas nuevas de grabación; el arreglista Severino Ramos, cuyas fórmulas musicales jamás repetía en cada partitura y que adaptaba a la personalidad de cada vocalista y, por último, a un valor agregado que no tiene precio: la fidelidad a toda prueba de sus integrantes, que no fueron cambiados al menos durante el tiempo de su permanencia en la isla. Por esos motivos impuso un formato único: el formato de la Sonora, que rápidamente hizo escuela.

En ella abrevaron varias generaciones de músicos. Y fue así como el formato fue copiado en muchas latitudes.

Como en un acto de magia, comenzaron a brotar por doquier la Sonora Mexicana, la Sonora Malecón, en Puerto Rico. En Venezuela, la Sonora Caracas. En Colombia, la Sonora Tropical, de Juancho Esquivel; la Sonora del Caribe, de César Pompeyo; la Sonora Silver, de Lucho Bermúdez, y la Sonora Antillana, de Edmundo Arias y la Sonora del Norte con Cheo Paba.

Con la particularidad de que todas ellas pudieron grabar al menos un disco de larga duración. En el caso de Colombia, acompañadas por el recién llegado Bienvenido Granda.

Por último, no podemos dejar de mencionar a la Sonora de Lucho Macedo en Perú, que resultó ser la más exitosa de todas.

Con el ascenso de Fidel Castro al poder, en 1959, por desavenencias con el régimen, la Sonora viajó a México el 15 de junio de 1960, para no retornar jamás. Este hecho partió en dos la historia de la agrupación.

Dejaron atrás los apegos del terruño y su zona de confort, y se enfrentaron por primera vez a los desafíos del extranjero, donde no eran escuchados con los oídos del distante ayer, pues parecía que el sonido no era el mismo, inconfundible, que habían conseguido en los estudios de grabación de Radio Progreso.

En el país azteca ya no contaron con el percusionista Simón Domingo Esquijarroza, ‘Minino’, que regresó intempestivamente a la isla, dejando los timbalitos bajo el cuidado de Manuel Muñoz, ‘Papaíto’, hasta cuando el grupo se radicó definitivamente en Estados Unidos, en 1962.

En 1965 se fueron Celia Cruz y Celio González, y un año más tarde finalizó el contrato con la Seeco, que los llevó a crear su propio sello, MRVA, con otra nómina de cantantes que trajeron un nuevo aire al conjunto. Con la salida a regañadientes de la insustituible Celia Cruz, se vinculó por primera vez, a un ramillete inusitado de vocalistas femeninas, representado por Linda Léida, la colombiana Gladys Julio y la soprano Kary Infante. En 1967 se retiró Pedro Knight y fue reemplazado por el dominicano Emilio Aracena ‘Chiripa’, que siguió hasta 1971.

La agrupación se fue alejando definidamente de sus derroteros iniciales y ya no tuvo el sonido primigenio. En 1971 ingresó Eladio Peguero, ‘Yayo el indio’, como cantante de planta.

En 1976 se retiró su pianista insigne Lino Frías, aquejado por la artritis, y fue sustituido por Javier Vásquez, hijo del fundador Pablo Vásquez, ‘Bubú’, y tuvieron la oportunidad de pasarse a la nueva tecnología del piano y el bajo electrónicos.

En las trompetas, los cambios son numerosos, que vinieron a detenerse con la inclusión de Alfredo ‘Chocolate’ Armenteros, que permaneció hasta 1980, cuando llegó a suplirlo el dominicano Héctor el ‘Bomberito’ Zarzuela, que a su vez fue relevado por Félix el ‘Junior’ Vega.

En ese año se fue uno de los grandes, Ángel Alfonso Furias, ‘Yiyo’, y la tumbadora quedó a cargo de Alberto Valdés. En 1990 falleció el icónico ‘Caíto’, y se vinculó en su lugar Fernando Lavoy, quien murió trágicamente dos años después.

Puede decirse que la Sonora pensó mucho su paso a la salsa, en ese afán de exprimir su formato hasta el agotamiento. Tan solo en 1981, de la mano de La Fania, cuando Johnny Pacheco, su admirador de toda la vida y quien había confesado su inmensa deuda con ella, al momento de fundar su conjunto, la invitó a grabar un álbum para su sello Bárbaro, con los arreglos de Javier Vásquez, acompañados de la voz de su paisano, el matancero Justo Betancur, grabación con la que rompió amarras con el pasado e ingresó en los campos de la triunfante salsa, con un éxito espectacular en las ventas.

En 1984, el elenco volvió a grabar con la voz del boricua Ismael Miranda. Hasta cuando, en 1993, decidieron grabar su última producción con el nombre De Nuevo México, para despedirse por la puerta grande, con corte de rabo y oreja, con ‘Yayo el indio’ como solista.

El resultado fue un gran trabajo, producido nada menos que por la filial latina de la Warner Brothers, en el que, por fin, un estadounidense tocó con la Sonora, el trompetista Ken Fradley.

El 13 de mayo del 2001, al fallecer Rogelio Martínez, se pensó que la agrupación desaparecería, pero Rogelio Martínez júnior decidió continuar, con Javier Vásquez como director. Fue cuando radicaron su sede en Las Vegas, Nevada, para irradiar desde allí su música hacia todo el mundo.

En 2009, la Sonora Matancera grabó su último álbum con el vocalista puertorriqueño Darío Rosado con el sugestivo título de Hay Sonora Pa’Rato, que intentó darles un parte de tranquilidad a todos sus seguidores.

Dueto ‘Bohemia y Son’ llega a alegrar Valledupar

Tatiana Vargas, una saxofonista bogotana de 21 años, y Génesis Morales, una vocalista venezolana de 25 años, son artistas que recorren el país como “mochileras” y que llegaron a Valledupar a mostrar su arte musical en restaurantes, bares y hasta las calles.

Ellas conforman el dueto ‘Bohemia y Son’ que muestra salsas y boleros de una manera diferente a lo que se concibe de la música. “Una salsa se relaciona con una orquesta gigantesca; nuestra intención es mostrarnos como mujeres empoderadas en un formato pequeño”, explicó Vargas.

Subrayó: “Rescatamos esas salsas y boleros de antaño, con letras que valían la pena, que tenía un contexto dedicado para alguien o algo. Hecho totalmente diferente a lo que sucede en nuestra época, donde la mayoría de canciones lo que tienen es ritmo, pero no letra, dejando de lado lo bohemio. Queremos demostrar que como jóvenes podemos hacer parte de la cultura antigua, de la que venimos, la que nuestros padres y abuelos escucharon y se ha olvidado”.

Para Morales: “La idea es mostrar las raíces musicales, no solo es lo que se escucha hoy en día, sino que hay algo detrás de ello que queremos recuperar”.

También anotó que esa iniciativa da muestras que no importa la nacionalidad a la hora de hacer y fusionar música, argumentando: “Nuestros lugares de orígenes no importan porque tenemos la capacidad de ser buenas personas y buenos músicos, exhibiendo las fortalezcas de cada una”.

ACERCA DE LAS ARTISTAS
-Génesis Morales es una cantante y poeta venezolana radicada en Colombia; entre vida, música y versos han nacido ‘Amores de estar viva’, ‘Diario de pasiones’, ‘Difícil, pero no imposible’, piezas que van desde poemas recopilados durante 10 años. Con su imponente voz ha dejado huella en cada sitio respaldada por un repertorio musical que ahora se transforma y amplía mucho más de la mano de Tatiana Vargas.

–Tatiana Vargas es saxofonista desde hace cinco años, percusionista con 10 años de experiencia, amenizadora de eventos, showgirl de electrosaxo y estudiante de octavo semestre de psicología en la Universidad Minuto de Dios. Ha tocado con la Banda Sinfónica y Orquesta Inem de Kennedy, Uniminuto Orquesta, Uniminuto Cuarteto de Saxos, Juan Grille y su Orquesta, Banda Marcial Instituto el Ingenioso Hidalgo; Orquesta Pachanga y Rumba, entre otras agrupaciones.

POR: ANNELISE BARRIGA RAMÍREZ / EL PILÓN
annelise.barriga@elpilon.com.co

Hallan muerto a Cherito, de la agrupación The New York Band

Cherito, vocalista de la agrupación The New York Band, fue hallado muerto en su casa esta mañana.

El empresario artistico Ramses Peralta envió un mensaje masivo a sus contactos para notificar que el road manager del artista le informó temprano este miércoles que Cherito amaneció sin vida, aparentemente producto de un infarto mientras dormía.

“Esa es la información que se maneja. Ahora mismo su familia está en trámites de funeraria y demás, no hay información aún de velatorio. Agradecimiento, cariño y dolor siento en este momento”, dijo Peralta.

José Jiménez (Cherito) .

Nació un 23 de agosto del 1971, en Santo Domingo. Desde niño, su padre Chery Jiménez (co-fundador de las agrupaciones musicales “Los Beduinos”, “Los Hijos del Rey” y “The New York Band”) y su abuelo José Jiménez Belén (destacado periodista y escritor de libros) lo encaminaron a educarse musicalmente, al percibir en él notables aptitudes.

Cherito recorrió el mundo interpretando varios éxitos y recibiendo importantes premios, siendo cantante líder de la orquesta “The New York Band”. Cherito junto a The New York Band conquistaron numerables plazas, incluyendo Puerto Rico, Estados Unidos, México, Colombia, Venezuela, España y República Dominicana, y vendieron más de 2.5 millones de discos mundialmente con 10 álbumes en el mercado.

Del año 1998 al 2007, Cherito se dedicó exclusivamente a producir para grandes artistas y desarrollar nuevos talentos. Además, tuvo la oportunidad de co-producir junto al exitoso productor Sergio George.

Desde el año 2000 al 2004, Cherito fue compositor exclusivo de la editora Warner Music Group y en  presidía su compañía de discos Next Step in Music.

Colombia: Esta es tu Música

Por: Alejandro Gutiérrez De Piñeres y Grimaldi

Cuán agradable es para todo colombiano observar a lo largo y ancho de todo el territorio patrio esa riqueza representada en diversidad de cosas invaluables: climas, montañas, agua, paisajes, gastronomía, costumbres, léxico, festividades, ríos y mares y, en fin, una serie de características particulares en este País de Regiones que amamos y defendemos, como el mejor regalo que generosamente nos fue dado por el Creador Supremo. No obstante todo lo dicho anteriormente, existe también un factor que nos hace muy especiales: El Folclor en sus matices y los aires musicales de cada una de las Regiones en las que está dividida Colombia: 1) Región Caribe, 2) Andina, 3) Pacífica, 4) Orinoquia y 5) Amazonía. En lo que respecta al Archipiélago de las Islas de San Andrés, Providencia y Santa Catalina, se le tiene como un caso especial.

Desde esta Tribuna se pretende, rendir un homenaje entrañable y de manera cotidiana a compositores e intérpretes de nuestros aires musicales, dado ellos nos representan ante el Mundo entero como los Embajadores por excelencia, de nuestra cultura.

En esta ocasión, todos los lectores de esta columna, van a poder tener una visión muy general, de nuestros aires, desde la Guajira hasta Nariño y el Amazonas hasta el Urabá antioqueño y obviamente a las Islas del Archipiélago ya mencionadas.

Para que no haya discriminación, iremos mostrando por Regiones, sus aires o ritmos más conocidos y a algunos de sus exponentes más representativos:

1) REGIÓN CARIBE
MATA DE CAÑA (Porro en Acordeón)
Autor: Calixto Ochoa Campo
Intérpretes: 3 Acordeonistas: Alfredo Gutiérrez – Ever Paternina y Felipe Paternina

Un verdadero abrebocas constituyen estos fabulosos intérpretes de la música de Acordeón del Caribe colombiano. Escuchar este ritmo cadencioso por excelencia, en manos de tres (3) brillantes exponentes del Porro sabanero, es algo cuyo lujo nos podemos dar en virtud de su calidad interpretativa, su toque original y la unión o convergencia de quienes durante años han construido en muchos escenarios la identidad Caribe, es algo digno de admirar. Alfredo Gutiérrez el mejor Acordeonista de Colombia, sin lugar a dudas, tres veces Rey Vallenato y Primer puesto en un Concurso mundial para escoger al mejor ejecutante de este instrumento. Como él, no ha nacido aún otro con su calidad, digitación y creatividad para la ejecución de toda clase de ritmos. A él se suman otros dos Reyes del folclor Sabanero: Felipe y Ever Paternina (Padre e hijo), cuyas brillantes notas, hablan por sí mismas.

Es importante recalcar que el Porro que se ejecuta en Acordeón es propio de la subregión sabanera, donde ha sido cultivado bajo diferentes formatos (Bandas, Orquestas, Conjuntos de Guitarras, Gaitas, Flautas de Millo y Acordeón), y no forma parte de los aires Vallenatos.

2) REGIÓN ANDINA
LA DE ESTRATO OCHO (Carranga)
Intérpretes: Los Dotores de la Carranga

CARRANGA es un género musical y folclórico, de origen campesino que surgió en la Región Andina colombiana y específicamente en el
Departamento de Boyacá hacía los años 70, cuya autoría se atribuye al Médico Veterinario Jorge Velosa. Su origen radica en el cruce de varios estilos tales como el Merengue campesino, muy propio del altiplano Cundi-Boyacense y de los Santanderes también, la Rumba criolla, el Paseo vallenato y otros géneros como el Bambuco y el Torbellino. En su ejecución se suelen utilizar instrumentos como la Guitarra, el Tiple, el Requinto, la Guacharaca y Voces.

Este estilo musical se destaca comúnmente por la «jocosidad» de los versos interpretados por los artistas, en donde comúnmente se encuentran frases con doble intención, o de consciencia ecológica.
La característica de este género consiste en una trama que identifica, una narrativa que divierte y propone, y unos ritmos básicos que se van consolidando como rumbas y merengues, con muchas variantes cada una.
LOS DOTORES DE LA CARRANGA se llama este Grupo intérprete del tema en mención. Oriundos de La Esperanza, Municipio del Norte de Santander, en la frontera con el Cesar, a tres horas de Bucaramanga. Iniciaron su carrera hace aproximadamente doce años, integrando desde el principio el Bajo eléctrico, la Guacharaca merenguera y las Congas, sin dejar de lado la Carranga del Maestro Jorge Velosa Ruíz, quien es su referente principal.

3) REGIÓN PACÍFICA
MI PUEBLO NATAL
Autor: Jairo Varela
Interpreta: Grupo “Herencia de Timbiquí”

Jairo de Fátima Varela Martínez (Quibdó, 9 de diciembre de 1949 – Cali, 8 de agosto de 2012), fue un compositor colombiano, fundador y Director del Grupo Niche, del que también fue Vocalista. Su primer contacto con la música se produce a los nueve años de edad, en su ciudad natal Quibdó, en donde conformó la agrupación La Timba que en esencia era una dulzaina, un bongó, unas maracas y un güiro.
Gran parte de su vida transcurrió en Quibdó. Hacia la década de 1970, con su madre y su familia, Varela decide cambiar su ambiente y se traslada a Bogotá en busca de nuevos y más sólidos rumbos. Fue Cali la ciudad que finalmente lo acogió como hijo suyo y desde donde se proyectó con su Grupo Niche y su vena de compositor.

Interrogado en una ocasión acerca de la historia que le condujo a la composición de su canción “Mi Pueblo natal”, expresó: “Una vez iba para el Chocó con mi hermano Enrique, a quien prácticamente le debo todo lo que soy, él murió hace dos años, y más allá del Carmen de Atrato, desde la cual se ve la llanura selvática y se alcanza a divisar Quibdó, me vino a la mente esta composición: «A lo lejos se ve mi pueblo natal, no veo la santa hora de estar allá. Se vienen a mi mente bellos recuerdos de infancia alegre, que yo nunca olvidaré, luces de espermas que al fondo se divisan, titilantes igual que estrellas en el cielo, y el ruido incesante del viejo trapiche, sustento eterno de todos mis abuelos». Después entra un estribillo que dice: «Ya vamos llegando, me estoy acercando, no puedo evitar que los ojos se me agüen.

HERENCIA DE TIMBIQUÍ es una formación de once (11) músicos colombianos, oriundos del pueblo de Timbiquí (Cauca), que fusiona sonidos de la Marimba de Chonta, los Cununos y el Bombo folclórico, junto al resto de una Orquesta y Cantantes. Sus inicios fueron en el año dos mil y se integró por músicos afro-descendientes, quienes se dieron a la tarea de retomar el conocimiento musical empírico del Pacífico colombiano y fusionarlo con elementos de la música urbana contemporánea, para así producir una sonoridad centrada en la raíz negra del litoral pacífico colombiano.

4) REGIÓN DE LA ORINOQUIA
YO SOY EL ALMA LLANERA (Joropo)
Autora e Intérprete: Elda Flórez

En la inmensa llanura del Casanare, en la población de Maní, nació en 1969, Elda Flórez, reconocida como” La Voz Recia del Llano”, flor sabanera que perfuma los caminos con su canto.
La canción “Yo soy el Alma Llanera” es un himno de libertad en una Nación donde existe un amplio abanico de opciones musicales, hace sentir que el Llano también es patria; es un canto a la vida que defiende con ardor el derecho a la misma, que exige respeto para las etnias y denuncia adolorida los atropellos a sus semejantes y al paisaje.

ELDA FLÓREZ se dio a conocer a muy temprana edad, en Colombia y Venezuela como intérprete de sus propias composiciones y, desde entonces, goza de la admiración y el respeto en ambos países donde ha obtenido infinidad de galardones. Ha producido cuatro discos de larga duración, con Joropos, Pajarillos y Pasajes de su inspiración.

5) REGIÓN DE LA AMAZONÍA
MADRE SELVA
Autor: Sandro Piaguaje
Interpreta: Grupo Putumayo

êtmayoy (Pronunciación: Butmayoy) significa «lugar donde se bebe agua». De esta palabra nace el nombre «Putumayo». Esta Agrupación musical de la Región Amazónica colombiana, se fundó en 1985 con el propósito de eternizar melodías de su entorno, a través del sonido mágico producido por instrumentos autóctonos.
Su música recrea melodías de la selva, aires colombianos y música andina, muestra clara de diversas influencias musicales que no se apartan del compromiso social con nuestro país y de la realidad Latinoamericana.
El sonido del Grupo Putumayo ha establecido un lazo con la fabulosa obra del Maestro Al. Vivero, un destacado pintor del Arte indígena colombiano, que se traduce en un espacio de convergencia artística y cultural a través de diferentes lenguajes sonoros y visuales.

6) ARCHIPIÉLAGO DE SAN ANDRÉS
INSIDE
Interpreta: Creole Group

La influencia Africana y las sonoridades de las Antillas han incidido para que los géneros musicales que se interpretan en el Archipiélago de San Andrés, Providencia y Santa Catalina, se hayan estructurado con base en una mezcla de ritmos y aires musicales variados como lo son el Reggae, la Socca, y otros más. A todo ello, podemos agregar una serie de instrumentos autóctonos muy curiosos como la Quijada de Caballo y la percusión que se realiza con Tinajas y Contrabajos artesanales de una sola cuerda, los cuales han venido a hacer de esta música insular algo llamativo, por su sonoridad y su alegría, que saben transmitir con voces e instrumentos típicos, que a su manera saben ejecutar Agrupaciones como THE CREOLE GROUP, quien en su lengua alternativa, sea en Inglés o Creole, muestra el encanto de su folclor.

Al igual que la mayoría de las Islas del Caribe, este fenómeno o cruce de sonidos, no hizo excepción en nuestras Islas colombianas, de tal modo que San Andrés, Providencia y Santa Catalina, recibieron ese impacto de las expresiones negras o música neo-africana, es decir, la transformación y vuelta a los fundamentos de la música primitiva de África. Estos elementos fueron los mismos, ritos, cantos, tambores, formas musicales, las cuales produjeron también expresiones muy interesantes, como lo hemos de ver y escuchar.

Pero a lo anterior debemos sumar igualmente la adopción de formas y hasta de melodías europeas, coadyuvando en la formación del carácter Isleño, el cual se refleja en ciertas inflexiones melódicas, cierta suavidad y hasta nueva elegancia. También se aceptaron otras formas caribeñas y norteamericanas, o mejor, afronorteamericanas como el Calypso y el Mento por una parte, y el Foxtrot que en otro tiempo llegó a tantos lugares y se bailó tanto, con pasión y fervor. Otros instrumentos usados en nuestras bellas islas son de origen europeo, tales como en el caso de la Guitarra y la Mandolina.

7) REGIÓN CARIBE
LA PIÑA MADURA (Paseo) – Autor: Eulalio Meléndez
Interpreta: Guillermo Buitrago y sus Muchachos

Guillermo de Jesús Buitrago Henríquez (Ciénaga, Magdalena; 1 de abril de 1920 – 19 de abril de 1949), conocido como «El jilguero de la Sierra Nevada de Santa Marta», fue un compositor, músico y cantante colombiano. Es además considerado uno de los principales pioneros de la popularización del Vallenato. Al lado de Julio Bovea fue uno de los primeros intérpretes de las canciones de Rafael Escalona. Se le considera la primera estrella de la música popular colombiana. También fue una especie de mecenas de muchos compositores sin los que hoy no podría ser concebido el folclor del país. Sacó del anonimato a Rafael Escalona, a Emiliano Zuleta, a Abel Antonio Villa, a Tobías Enrique Pumarejo, a Chema Gómez, a Luis Pitre y a Eulalio Meléndez, el compositor de «La Piña Madura».

Buitrago murió muy joven, de 29 años, pero más de sesenta años después de su fallecimiento, es uno de los cantantes que más vende discos en Colombia. Por esas paradojas del destino, el mismo día cuando falleció, llegó de La Habana el propietario de Discos Fuentes. Traía un contrato para que Buitrago hiciera algunas grabaciones con la Orquesta Casino de la Playa, dirigida por el Maestro y Pianista Anselmo Sacasas.

Al desintegrarse el Conjunto de Guillermo Buitrago, por su deceso, otro músico oriundo de Ciénaga (Magdalena), Julio Bovea vino a reemplazarlo. Este, a su vez convoca al Guitarrista Ángel Fontanilla y a Alberto Fernández de Atánquez, Cantante y Guacharaquero, para conformar el más famoso Conjunto de música costeña: “Bovea y sus Vallenatos”.

8) REGIÓN ANDINA
VIVA LA FIESTA (Torbellino) – Autor: Luis María Carvajal
Intérpretes: Trío Instrumental “Nuestra Herencia”

El Torbellino es una de las danzas y de los cantos folclóricos más representativos del Departamento de Santander, al igual que de Boyacá y Cundinamarca. Es considerada la tonada a través de la cual los campesinos expresan en coplas la sencillez de sus reacciones ante el amor, la desilusión, sus sentimientos, utilizando para ello ese lenguaje castellano antiguo, haciendo que estos aires típicos de ascendencia hispano-colonial, una muestra muy particular. Se han distinguido variedades del Torbellino, destacándose el triste o melancólico del altiplano y el festivo de las zonas cálidas.

El Trío Instrumental “Nuestra Herencia” es una Agrupación que se inclina por el rescate de aires musicales tradicionales de la Región Andina, con instrumentos como la Bandola, el Tiple, el Requinto, la Guitarra y Bajo Eléctrico. Está integrado por los siguientes músicos:
1) Jesús Alejandro Sánchez Peña, quien a sus 13 años de edad, es un virtuoso del Requinto andino colombiano. Desde pequeño exploró la música andina colombiana, bajo la dirección de sus hermanos Juan Pablo y Felipe Andrés, integrantes del Trio Nuestra Herencia. Por su amor, dedicación y disciplina en sus estudios musicales, ha sido invitado especial y ha incursionado en un gran número de eventos y festivales nacionales e internacionales.
2) Juan Pablo Sánchez Peña (Tiplista y Director)
3) Felipe Andrés Sánchez Peña (Requintista y Bandolista)
Estos últimos Maestros en Investigación Musical de la Universidad Internacional de La Rioja (UNIR), e igualmente fungen como los fundadores y arreglistas de la Agrupación desde el año 2001.

9) REGIÓN PACÍFICA
EL VACILE DE MANOLO (Bunde)
Interpreta: Chirimía “Rancho Aparte”

Las Chirimías constituyen un formato de Agrupación musical muy comunes en un el centro-norte del Departamento del Chocó, arriba del río San Juan. Generalmente están conformadas por Clarinete, Redoblante, Bombardino, Tambora, Platillos, incluso algunos suelen introducir nuevos instrumentos como el Saxofón, la Trompeta y el Trombón, pero siempre conservando su esencia. Algunas Chirimías muy a la moda, han decidido incluir en sus formatos instrumentos como Bajo eléctrico, Piano y Congas, haciendo el grupo más de baile.

Este formato alegre nacido en el campo, ya no solo se disfruta y se celebra por todos los pueblos de la Región, comenzando por Quibdó, Buenaventura, Tumaco, Cali hasta llegar a Bogotá. Para dar inicio a toda presentación, en las Chirimías suelen entrar con los Platillos y continúa luego con la Tambora y el Redoblante, salta al Clarinete y de allí el resto de los integrantes. Dado el auge que han venido tomando ritmos foráneos, muy populares en las etnias afros, se ha venido introduciendo fragmentos de Reggaetón y otros similares.

‘El vacile de Manolo’, es una de las muestras de Bunde chocoano más populares de los últimos tiempos, el cual es interpretado por parte de la Chirimía “Rancho Aparte”, de Quibdó. Partiendo del centro del Chocó y hasta llegar al Pacífico Sur de Colombia, las comunidades afros bailan con demasiada euforia por considerar este género como uno de los más representativos a la hora de toda las fiestas más importantes, exhibiendo la alegría de esta gran cultura: El Bunde Chocoano, también llamado por muchos como El Canto Llamador, por ser el sonido que lleva al éxtasis a quienes se integran a las grandes fiestas del litoral.

10) REGIÓN DE LA ORINOQUIA
HOMBRE DE MIL CAMINOS (Pasaje llanero)
Autor e Intérprete: Juan Farfán y su Grupo

Juan Fernando Farfán Carrillo, (Arauca, 2 de noviembre de 1947), más conocido como Juan Farfán, luego de terminar la educación primaria se dedicó como compositor e intérprete, a la difusión de los aires musicales del Llano colombiano. Ha grabado hasta la presente más de 30 álbumes y en cerca de 5 décadas ha incursionado en un estilo particular como es la canción social, con composiciones como «El bagre rayado» y «El juego de la paz», en las cuales canta contra la violencia que azota al país en general y a su región araucana en particular. Es conocido como «El coplero sentimental».

Hace cerca de 50 años que se subió Juan Farfán a una tarima en Arauca a cantar, y desde entonces no ha descendido de ellas porque su fama se aquilata con los años, y el timbre sentimental de su voz parece que cobrara nuevos y más profundos acentos. Juan Farfán es ya una institución en todos los llanos de Colombia y Venezuela.

Estando muchacho se dedicó al aprendizaje de las primeras letras y a las faenas propias del llanero. Desde estos tiempos todos notaron en el escuelante una facilidad pasmosa para componer coplas, cosa que no es extraña en su lugar de nacimiento, de donde han surgido notables músicos y compositores. Juan Fernando Farfán un ícono del folclor llanero de Colombia y Venezuela, es uno de los 10 mejores cantores de Joropo de todos los tiempos en las dos llanuras. Son 30 producciones discográficas las que atesora éste baluarte del folclor llanero orgullo de los araucanos.

11) REGIÓN DE LA AMAZONÍA
DANZA INDIA (San Juanito)
Interpreta: SUMMA INTI

En el Departamento del Putumayo se reconoce la contribución de la Danza en el desarrollo de la formación integral de los estudiantes, identificando sus propias raíces y desarrollando una expresión auténtica que fomenta el folclor propio de su lugar de origen.
Putumayo es un Departamento joven, formado bajo la influencia del fenómeno de colonización, identificándose en sus manifestaciones dancísticas con una base pluricultural multiétnica, que recibe los sonidos propios de la Región Andina, así como cierta influencia del vecino Departamento de Nariño y de la República de Ecuador.

El sanjuanito es un género musical muy popular a inicios del siglo XX, originario de la provincia de Imbabura. El «sanjuanito» tiene origen preincaico; es decir, existe antes de la conquista española. A diferencia del Pasillo, es un género alegre y bailable que se ejecuta en las festividades de la cultura mestiza e indígena, como el que se lleva a cabo anualmente en la población de Sibundoy.

12) ARCHIPIÉLAGO DE SAN ANDRÉS

CALYPSO Y MENTO
Intérpretes: Banda Única de San Andrés

CALYPSO: Nombre de un género musical originario de Venezuela, Trinidad y Tobago, muy popular en las Antillas, las islas de San Andrés y Providencia en Colombia, Panamá y gran parte de la costa caribeña centroamericana. Es tanto anglófono como francófono. En los países de habla mayoritariamente hispana, donde lo practican también se incluyen letras en español.

El Calypso que se canta en San Andrés y Providencia se realiza en lengua Inglesa o en Creole y se ejecuta con instrumentos como el Violín, la Mandolina, la Guitarra, la Quijada de caballo, las Maracas y el Tinajón fabricado a partir de barriles de petróleo, llamados steel drums (‘tambores de acero’) o simplemente tambores metálicos.

Esos tambores se crearon por la necesidad de percutir que tenían los descendientes de los africanos en estas islas y, dado que no poseían ningún instrumento, empezaron a percutir los barriles, los cuales se fueron abollando y luego estableciéndose alturas definidas, lo que haría que en el futuro, el instrumento se pudiera templar con una escala cromática.

BLOG DEL AAUTOR: Alejandro Gutiérrez De Piñeres y Grimaldi

La dinastía Paternina: Grandes Reyes de la sabana

Por: Alejandro Gutiérrez De Piñeres y Grimaldi

Las músicas de Acordeón, tal como ha ocurrido en la subregión Vallenata, también ha encontrado en la Sabana, personajes que la representan con altura. Así como en Villanueva (Guajira), surge la dinastía de los Zuleta, en La Paz (Cesar) Los Hermanos López, en Mariangola (Cesar) Los Granados, así mismo en Corozal (Sucre) entran en escena Los Paternina.

Mucho se ha hecho énfasis en algunas dinastías, con menoscabo de otras, que han hecho grandes aportes al folclor del Caribe en lo que respecta a las músicas de Acordeón. Hemos de reivindicar a esas familias que, durante su existencia han venido batallando por mantener vivas esas composiciones míticas y tradicionales, muy propias de la subregión Sabanera.

Aunque es grande el número de ellas, me referiré en esta ocasión a una familia proveniente de un patriarca llamado Alcides José Paternina Gamarra, quién nació el 22 de septiembre de 1922, en Villa López, corregimiento del municipio de San Juan de Betulia (Sucre) y falleció en Corozal el 1 de septiembre 2002.

Don Alcides, al igual que muchos pioneros de esta música, tuvo un origen campesino y junto con su familia, trabajaba en labores del campo, hasta que su Padre José Ángel Paternina le compró un acordeón de segunda que le vendió el acordeonista Betuliano Eugenio “Geño” Gil.

Aprendió rápido a tocar el acordeón y ejecutar preferencialmente los aires provenientes de Europa, como Valses, Polkas, Mazurka y Fox. Luego se interesó por los ritmos de la región, como Porros, Cumbias, Fandangos y otros, llegando a alternar con músicos de la calidad de José Acosta, “Geño” Gil, Benigno Contreras, Juan Guzmán y Genaro Villamil”. En lugar de burros o mulas, Alcides utilizaba una bicicleta como medio de transporte para realizar sus giras musicales.

Alcides Paternina contrae matrimonio con Elodia Payares y en 1944 se radica en Corozal en donde nacen sus nueve (9) hijos, a saber: Felipe, Alcides, Mario, Nixon, Rubby, Alcira, Yolanda, Maribel y Jennis.

Sus cuatro (4) hijos varones le heredaron su vena musical: Felipe (Acordeonista), Alcides (Guacharaca), Mario (Cajero) y Nixon (Tumbadora), al igual que su nieto Ever José (Acordeonista).

Se destacó por ser un pionero en el arreglo de los Acordeones, al igual que un repentista y clásico decimero. Aunque compuso muchas canciones, no se preocupó por grabarlas y se relacionó con los juglares de la época, tales como Luis Enrique Martínez, Andrés Landero, Alejandro Durán y Abel Antonio Villa.

Veremos a continuación a tres (3) integrantes de esta dinastía de músicos sabaneros, en asocio de Alfredo Gutiérrez, interpretar el conocido Porro del Maestro Calixto Ochoa “Mata de Caña”, con los Acordeones de Felipe Paternina y Ever Paternina, al igual que Mario Paternina en la Caja.

Felipe, mayor de los hermanos, exhibe una trayectoria envidiable como un excelente intérprete de todos los aires musicales, tanto de la Sabana como de la Subregión Vallenata. Ha demostrado a lo largo de su trayectoria artística, un talento grande para digitar con singular maestría, notas alegres y absoluto dominio del Acordeón que lo enaltece.

Este varón sencillo, Docente de profesión, ha sido un triunfador en numerosos eventos u ocupado lugares muy destacados, como hemos de ver seguidamente:

1) Inició su participación en festivales, comenzando por el de la Leyenda Vallenata, en 1974 donde obtuvo un merecido tercer lugar en la categoría semi-profesional.

2) Ganó el Festival Sabanero del Acordeón en el año 1978.

3) Primer puesto en el 3er Festival Bolivarense del Acordeón en el año 1979.

4) Participa en el Festival Vallenato en 1986 y 1996 logrando disputar la final junto al Rey Alfredo Gutiérrez.

5) Rey del Acordeón en Chinú (Córdoba) en 1992.

6) Rey del Acordeón. San Juan Nepomuceno (Bolívar) en 1996

7) Rey del Acordeón en Montelíbano (Córdoba) en 1996.

Ha grabado varias producciones al lado de maestros como Adolfo Pacheco, Jairo Serrano, Miguel Cabrera, Ricardo Cárdenas, Carlos Pérez, Manuel “Mañe” Bustillo entre otros. Con el “Mañe” Bustillo lleva un total de siete producciones, rescatando aquellos Maestros que nos dejaron un legado grande y valioso, como en el caso de Luis Enrique Martínez, Andrés Landero, Calixto Ochoa, Adriano Salas, Julio De la Ossa, Enrique Díaz, etcétera, clásicos auténticos para conservar.

LA MARGENTINA (PASEO) – Autor: Julio De la Ossa

Acordeón: Felipe Paternina – Canta: Manuel “Mañe” Bustillo

Otro miembro destacado de esta dinastía, lo fue indudablemente el considerado el “Mejor Cajero de Colombia”, dada su maestría y versatilidad en la ejecución de este instrumento de percusión. Me estoy refiriendo a MARIO DE JESÚS PATERNINA PAYARES.

Mario fue indiscutiblemente un personaje, todo un rey sabanero, con esa sonrisa mezcla de ingenuidad e igualmente de picardía que se escondía tras sus gafas de seminarista. Nos conocimos en Cali y siempre procuré tener contacto con este varón, buen amigo y músico excelente. Fue él “un revolucionario de la Caja”, no solo por ser quien produjo su modernización en su estructura al igual que en su forma impecable de ejecución. Las imágenes expresan mejor que las palabras. Veamos:

INNOVACIÓN DE LA CAJA POR MARIO PATERNINA:

Y a continuación el estilo que logró Mario Paternina imponer, con una elegancia y unos sonidos que solo él supo extraer, dándole una resonancia específica a cada aire musical. No en vano, fue el Cajero de las más grandes Agrupaciones Sabaneras y Vallenatas, como las de Alfredo Gutiérrez, Lisandro Meza, Adolfo Pacheco, el “Chane” Meza, Eliécer Ochoa, Rafael Ricardo, y obviamente con su hermano Felipe Paternina. También fue Cajero de Jorge Oñate, Diomedes Díaz y del Binomio de Oro.

Mario se convirtió en toda un estrella donde tocaba, porque hacía lo que le venía en gana con la Caja, creada por el mismo, a la cual sacaba sonidos no convencionales, pero que se ajustaban a los cánones tradicionales. Veamos un solo de Caja de este Maestro:

FELIPE PATERNINA & MARIO PATERNINA – PUYA (1986)

• Final del Festival Vallenato en Valledupar

Acordeón y Voz: Felipe Paternina – Caja: Mario Paternina

Ya para finalizar este artículo acerca de la Dinastía Paternina y sus aportes al folclor y a las músicas de Acordeón del Caribe, es menester citar también a uno de los integrantes de esta familia, e hijo del Acordeonista Felipe Paternina. Se trata de una auténtica estrella del folclor sabanero y vallenato, que viene demostrando en diversos escenarios su destreza para ejecutar con propiedad el Acordeón e igualmente creatividad y talento.

Me refiero a EVER PATERNINA, quien se ha coronado ya como Rey del Acordeón en determinados eventos o concursos, tales como Rey Infantil, Aficionado y Profesional en el Festival Sabanero en Sincelejo, Rey Aficionado en muchos festivales realizados en la Sabana, Rey Inter – Universitario en varias universidades en Barranquilla, Rey Profesional en Sahagún, Lorica, Montelíbano y varios segundos y terceros puestos en festivales a nivel Aficionado y Profesional.

EVER JOSÉ, nacido en Corozal, ha sido la expresión genuina del folclor caribeño, pues esas notas que extrae de su Acordeón, en nada distan de aquellos aires añejos, autóctonos y raizales, que ha sabido conservar, como heredero de esta Dinastía Musical. Ha sido finalista profesional durante cinco (5) oportunidades en la ciudad de Valledupar y obtuvo el segundo lugar en el 2005.

Formó parte de La Agrupación Los Muchachos; grabó al lado de José Montenegro de Valledupar y Kay Piedrahita de Corozal, ha acompañado a grandes Vocalistas como Marcos Díaz, Rafael Manjarrés, Osnaider Brito, Juan Manuel Pérez, Daniel Celedón, Romualdo Brito, entre otros.

Se erigió como Rey Sabanero del Acordeón en su versión XV en el año 1999, derrotando a veteranos como Manuel Vega y Gilberto Torres.

Escucharemos seguidamente a EVER JOSÉ, cuando nos entrega sus notas alegres durante la final del Festival Vallenato en el año 2000, donde dejó admirado al público presente con su brillante ejecución.

PENITA (MERENGUE) – Autor: Leandro Díaz Duarte

BLOG DEL AUTOR: Alejandro Gutiérrez De Piñeres y Grimaldi

Cantante venezolano de salsa: «No hay generación de relevo en la salsa, el reggaetón nos está avasallando»

«La salsa no ha evolucionado, me estoy dedicando a buscar voces nuevas para hacerles la patadita», comenta el cantante venezolano de salsa Óscar D’León, que también dice que de todos los nombres que le han puesto, ahora se identifica más con ‘el sonero del mundo’. En Entrevista, de RT, cuenta qué le sorprendió en su reciente gira por Europa y reflexiona sobre las nuevas generaciones de músicos. Además, explica cómo maneja las redes sociales y habla del nuevo disco que está terminando.

Desde Miami, el ‘sonero del mundo’ –apodo como actualmente se siente más identificado–, el cantante venezolano Óscar D’León atiende a RT para contarle cómo en los últimos cinco años ha desarrollado «mucho trabajo», ahora que está a punto de cumplir 47 años de carrera.

El músico reflexiona sobre el estado actual del mundo de la salsa: «Ha caído el entusiasmo del europeo por lo latino», opina, y cree que están «un poquito encajonados» porque «el reaggeton» les está «avasallando», y es por lo que se muestra partidario de «tomar en cuenta lo que ellos hacen». Aunque, para él, el principal problema es que «no hay generación de relevo de la salsa».

Óscar D’León sostiene que la clave de su éxito es que ama la vida, le encanta la profesión y le fascina lo que hace: «lo cuido a plenitud en todos los sentidos».

Gira europea

En diciembre culminó su última gira por Europa, que el artista califica de éxito: «hubo mucha afluencia de público». Visitó Alemania, Holanda, Francia, España, entre otros países, aunque los que más llamaron su atención por la acogida no esperada fueron Noruega, Finlandia, Inglaterra y la capital danesa, Conpenhague. 

«El latino ha emigrado mucho hacia Europa –relata el cantante–. El público ya conoce a Óscar D’León y sabe lo que le va a dar». A este respecto cree que el salsero «no ha evolucionado, se ha quedado en lo mismo siempre, y cuando hacen un festival de salsa siempre buscan a los mismos». Así, anuncia que se está dedicando a buscar voces nuevas, «para yo hacerle la patadita».

Nuevos proyectos

«Nunca me atrajo el canto, sino la percusión, canté por una necesidad y me quedé cantante», define D’León sus inicios en la profesión.

Ahora, tras casi cinco décadas de dedicación, se plantea la posibilidad de participar en alguna película: «No domino el inglés, pero ahora sí le he dicho a mi manager que podíamos buscar un papelito en Hollywood«.

Además, sigue con su abundante producción musical y anuncia que está ultimando su próximo disco, del que tan solo le faltan siete temas. «Siempre estoy escribiendo cosas nuevas», dice y continúa: «tengo entre 60 y 80 temas inéditos ya listos para meterlos en el estudio».

Nuevos tiempos

«Mi equipo está inmerso en esa forma de promocionar que es la parte digital, tenemos todas las plataformas abordadas«, dice D’León en referencia a las nuevas formas de consumir música que han aparecido en los últimos años. Aunque manejar las redes sociales «es un tema que requiere mucho tiempo», y prefiere delegarlo en su equipo, es algo con lo que convive con bastante armonía.

Sobre las nuevas generaciones piensa que en muchas ocasiones «están más pendientes de la imagen, y cuando suben a la tarima no ofrecen lo que la gente espera de ellos y sucumben inmediatamente».

A pesar de ello, se declara un buen oyente de «todo tipo de música», le gustan las fusiones, aunque huye de la repetición, y se reafirma como un cantante que no es solo salsero: «Me gusta cantar géneros diferentes, pero la gente quiere oírme salsa».

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